Arturo Toscanini


Arturo Toscanini
Arturo Toscanini

Arturo Toscanini nació en Parma, Reino de Italia, el 25 de marzo de 1867; fue un músico italiano, considerado por muchos de sus contemporáneos (críticos, colegas y público en general) y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas.

Toscanini inició su formación musical en Parma al ganar una beca para el conservatorio local, en el que estudió cello. Tras sus estudios, fue admitido en la orquesta de una compañía de ópera con la que realizó una gira por Sudamérica. Mientras representaban Aida en Río de Janeiro en 1886, el director de la orquesta fue abucheado por el público y obligado a abandonar el escenario. Toscanini, afortunadamente, cogió la batuta animado por el resto de los músicos, comenzando así, con 19 años, su carrera como director.

En 1898, fue nombrado director residente de La Scala de Milán, donde permaneció hasta 1908. Durante esa época estrenó obras de autores contemporáneos, entre otras, el oratorio Mosè de Lorenzo Perosi, cuya primera interpretación tuvo lugar en mayo de 1901 en el Salone Perosi de Milán. Tras este primer periodo en La Scala se fue a Estados Unidos para dirigir en el Metropolitan Opera de Nueva York (1908-1915). Posteriormente regresaría a La Scala en los años 1920. Dirigió en el Festival de Bayreuth (1930-31) y en el Festival de Salzburgo (1934-37). Entre 1926 y 1936 dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

Radicalmente opuesto a los regímenes fascistas de Alemania e Italia, abandonó Europa para dirigirse a los Estados Unidos. Allí se fundó en 1937 la Orquesta Sinfónica de la NBC para él, y con ella actuó con regularidad hasta 1954 en la Radio Nacional. Sus actuaciones lo convirtieron en el primer director de orquesta estrella de los medios de comunicación masivos.

Toscanini era famoso por sus interpretaciones de Beethoven y de Verdi.

El maestro Toscanini bajo su batuta se estrenaron varias obras entre las que figuran: " Pagliacci " y " Zazá " de Leoncavallo;   " La Bohemia ", " La fanciulla del West ", y " Turandot " de Puccini; " Germania " de Franchetti; " Gloria " de Cilea;  "Nerone " de Boito. 

Cuando Giuseppe Verdi falleció el 27 de enero de 1901, El Teatro de La Scala que estaba cerrada abrió dos días después del funeral con un programa que incluía las oberturas de Nabucco y I vespro siciliani; el coro de I Lombardi, que en tiempos de Verdi se cantó como himno patriótico; el preludio del acto IV de La traviata; el cuarteto de Rigoletto, con Enrico Caruso en el papel del Duque; duetos de Un ballo in maschera y La forza del destino; y el final del acto II de Forza. Toscanini dirigió un conjunto de 100 cantantes y 100 músicos. Los beneficios de este acto se destinaron al monumento a Verdi que se iba a eregir delante de la Casa di Riposo. 

Antes de trasladar los cuerpos de Verdi y Strepponi a la Casa di Riposo, estando aún en el cementerio, Toscanini dirigió un coro de 820 voces, que interpretó el " Va, pensiero " de Nabucco. Cuando llegaron a la Casa di Riposo, cantaron el                  " Miserere " de Il trovatore. 

Así mismo, Toscanini dirigió la orquesta el 3 de diciembre de 1924, durante las exequias del maestro Giacomo Puccini, en el Duomo, donde tocaron la Marcha Fúnebre de Edgar.

El maestro Toscanini murió el 16 de enero de 1957 en la ciudad de Nueva York.


Renata Tebaldi


Renata Tebaldi
Renata Tebaldi

Renata Tebaldi fue una soprano lírica italiana; nació el 1 de febrero de 1922 en Pesaro; sus padres Teobaldo Tebaldi un violonchelista y Giuseppina Barbieri de profesión enfermera. Sus padres se separaron antes de su nacimiento y Renata creció con su madre en casa de sus abuelos maternos en Langhirano.

Estuvo afectada por la polio a la edad de tres años, Tebaldi se interesó por la música y fue miembro del coro de la iglesia de Langhirano. Su madre la envió a tomar clases de piano a la ciudad de Parma, quien a su vez tomó la iniciativa de que Tebaldi estudiara la voz con Italo Brancucci, profesor de canto en el conservatorio de Parma. Fue admitida a los 17 años en el conservatorio, tomando clases con Branucci y con Ettore Campogalliani y luego enviada al Liceo musicale Rossini en Pesaro tomando clases con Carmen Melis y por su sugerencia con Giuseppe Pais. Años más tarde estudió con Beverly Peck Johnson en la ciudad de Nueva York.

Tebaldi hizo su debut en el escenario como Elena en Mefistofele de Boito en Rovigo en 1944, y actuó en Parma en La Bohème, L'amico Fritz y Andrea Chénier. Ella causó gran revuelo cuando en 1946 debutó como Desdémona junto a Francesco Merli como Otello en Trieste.

Su gran avance fue en 1946, cuando audicionó para Arturo Toscanini; éste quedó favorablemente impresionado, llamándola " voce d'angelo " (voz de un ángel). Tebaldi hizo su debut en La Scala ese año en el concierto que marcó la reapertura del teatro después de la Segunda Guerra Mundial. Ella cantó la "Oración" ("Dal tuo stellato soglio") de la ópera bíblica de Rossini, Mosè en Egitto, así como la parte de soprano en Te Deum de Verdi. En 1947 apareció en La Bohème y como Eva en Die Meistersinger de Wagner. Toscanini la animó a cantar el papel de Aida de Verdi y la invitó a ensayar el papel en su estudio. Opinaba que el papel de Aida estaba reservado para una soprano dramática, pero Toscanini la convenció y debutó en La Scala en 1950 junto a Mario del Mónaco y Fedora Barbieri en una actuación dirigida por Antonino Votto. Este fue el mayor éxito en su aún joven carrera y fue el lanzamiento de su carrera internacional.

Realizó una gira de conciertos con el conjunto de La Scala en 1950, primero en el Festival de Edimburgo y luego en Londres, donde debutó como Desdémona en dos funciones de Otello en Covent Garden y en el Réquiem de Verdi, ambas conducidas por Víctor de Sabata.

Durante la década de 1950 surgió una controversia sobre una supuesta rivalidad entre Tebaldi y la gran soprano griega-estadounidense Maria Callas. El contrastte de las cualidades vocales a menudo poco convencionales de Maria Callas y el sonido clásico de Tebaldi resucitó un argumento tan antiguo como la propia ópera, es decir, la belleza del sonido frente al uso expresivo del sonido.

En 1951, Tebaldi y Maria Callas fueron contratados para un recital vocal en Río de Janeiro, Brasil. Aunque los cantantes estuvieron de acuerdo en que ninguno realizaría bises, Tebaldi tomó dos, y Callas supuestamente se indignó. Este incidente comenzó la rivalidad, que llegó a un punto álgido a mediados de la década de 1950, a veces incluso engullendo a las dos mujeres mismas. Tebaldi se comenta que dijo: "Tengo una cosa que Callas no tiene: un corazón", mientras que Callas comentó en la revista Time diciendo que compararla con Tebaldi era como "comparar Champagne con Cognac. No, con Coca", aunque testigos de la entrevista confirman que Callas no hizo mención de la Coca-Cola, sino un espectador que bromeó al respecto y el periodista se lo imputó a la soprano griega. Estas dos cantantes nunca deberían haber sido comparadas. Tebaldi fue enseñada por Carmen Melis, una notable especialista en verismo, y estaba arraigada en la escuela de canto italiana de principios del siglo XX con la misma firmeza con la que la Callas se basó en el bel canto del siglo XIX. Callas era una soprano dramática, mientras que Tebaldi se consideraba esencialmente una soprano lírica.

Callas y Tebaldi generalmente cantaron un repertorio diferente. 

Dejando de lado la supuesta rivalidad, Tanto Callas como Tebaldi hicieron comentarios favorables entre sí. En alguna ocasión en una entrevista que le hizo Norman Ross a Maria Callas llegó a decir: "Admiro el tono de Tebaldi, es hermoso, también un hermoso fraseo. A veces, de hecho, desearía tener su voz." Así mismo, Francis Robinson del Met, escribió sobre un incidente en el que Tebaldi le pidió que le recomendara una grabación de La Gioconda para ayudarla aprender el papel. Siendo consciente de la supuesta rivalidad, recomendó la versión de Zinka Milanov. Unos días más tarde, fue a visitar a Tebaldi, solo para encontrarla sentada junto a los altavoces, escuchando atentamente la grabación de la Callas. Luego lo miró y le preguntó: ¿Por qué no me dijiste que María era la mejor? Según la revista Time, cuando Callas abandonó La Scala, "Tebaldi hizo una maniobra sorprendente: anunció que no cantaría en La Scala sin Maria Callas" Cantó sólo por motivos artísticos, no es mi costumbre cantar en contra de alguien", dijo ella.

Ella fue la Leonora en La forza del destino la noche en que Leonard Warren murió en 1960, y ella fue Adriana Lecouvreur en la noche en que Plácido Domingo hizo su debut en el Met en 1968. 


Rolando Villazón


Rolando Villazón Mauleón nació en la Ciudad de México el 22 de febrero de 1972; es un tenor mexicano radicado en Francia y reconocido como uno de los mejores tenores líricos de la actualidad.

Ha sido aclamado por su público como resultado de sus exitosas presentaciones en los mejores teatros del mundo, incluyendo el Metropolitan Opera, Covent Garden, Berliner Statsoper, Deutche Oper Berlin, Teatro dell'Opera di Roma, Teatro Real de Madrid, Palacio de Bellas Artes de México, Ópera de París, Gran Teatro del Liceo, por citar algunos de los escenarios más importantes.

En 1990, Villazón se relacionó con el barítono Arturo Nieto que lo invitó a adentrarse en el mundo de la ópera y luego se convirtió en su primer maestro de canto. En 1992, se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música para continuar su preparación con el maestro Enrique Jasso. Representó algunos roles de las óperas de Mozart, como el personaje de Dorvil en la Scala di Seta, a Florville en Il Signor Bruschino y a Alessandro en Il Re Pastore. Ganó dos concursos nacionales en la Ciudad de México y Guanajuato. Siguió estudiando con el reconocido y afamado barítono Gabriel Mijares antes de incursionar en los escenarios internacionales. Tomó clases de canto con la diva Joan Sutherland en los Estados Unidos y ganó el segundo premio en el concurso Operalia del maestro Plácido Domingo en 1999. Debutó en Europa con el rol de Des Grieux en la Manon de Jules Massenet en el Teatro Carlo Felice de Génova, para luego aparecer como Rodolfo en La Bohème de Giacomo Puccini en la Ópera de Lyon en diciembre de 1999. Cantó su primera Traviata de Giuseppe Verdi en el Teatro Verdi de Trieste, y la repitió inmediatamente después en el Teatro de Ópera de La Bastille de París en mayo de 2000.

Sus actuaciones empezaron a atraer la atención del público, de los críticos, de la prensa y de los productores y directores de las casas de ópera pero faltaba un evento que lo catapultara al ámbito internacional.

El evento llegó en agosto de 2005, cuando repitió, con Anna Netrebko y Thomas Hampson como parte del elenco importante, el papel de Alfredo en La Traviata, durante el Festival de Salzburgo, bajo la batuta de Carlo Rizzi y la dirección escénica de Willy Decker, obteniendo entusiastas reseñas y clamorosos aplausos. A partir de este evento se les denominó como la pareja estelar de la ópera.

En 2008 recibió la máxima condecoración que el gobierno de Francia entrega a las artes, el grado de caballero de las Artes y las Letras de Francia después de un recital en el teatro de los Campos Elíseos, París.

Desafortunadamente, en 2009 y tras una nueva cancelación de una serie de compromisos (el más notable, el rol de Edgardo que cantaría junto con Anna Netrebko en el Met de Nueva York en febrero, cancelado pocas horas antes de la función y reemplazado por Piotr Beczala), Villazón entró en mayo al quirófano para que le fuera extirpado un quiste de las cuerdas vocales, por lo que, aconsejado por su médico, canceló todas sus presentaciones hasta el año 2010.

De 2011 a 2012 participó junto a Diana Damrau, una de las intérpretes más famosas de La Reina de la Noche, personaje de la Flauta Mágica de Mozart, en dos representaciones: Los cuentos de Hoffmann de Offenbach y en Don Giovanni de Mozart.


Leo Nucci


Leo Nucci como Rigoletto
Leo Nucci como Rigoletto

Leo Nucci nació el 16 de abril de 1942 en Castiglione dei Pepoli cerca de Bolonia; es un barítono italiano .

Estudió canto con el Maestro Giuseppe Marchesi en Bolonia, perfeccionándose con Mario Bigazzi. después Hizo su debut en Spoleto, en el Teatro Experimental A. Belli,  en el papel de Fígaro en Il Barbieri di Siviglia de Rossini en 1967, luego se unió al coro de La Scala de Milán, e hizo su debut como solista allí en 1977, nuevamente como Fígaro, en 1978 debuta en la Royal Opera House de Covent Garden en Londres para cantar en Luisa Miller de Giuseppe Verdi.

Leo Nucci está considerado el mayor barítono de carrera. Sus interpretaciones, particularmente en el repertorio verdiano son consideradas piedra angular en la interpretación de todos los barítonos que le siguen.  Nucci ha grabado cerca de treinta óperas completas, bajo la dirección de Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, James Levine, Zubin Metha, Carlo Maria Giulini, Giuseppe Patanè, colaborando con los intérpretes más ilustres del mundo de la lírica. Ha participado en dos películas:  Macbeth, presentada en el Festival de Cannes en 1987, y El Barbero de Sevilla además de haber realizado numerosos videos de ópera en vivo.

Ha inaugurado en varias ocasiones las temporadas de ópera en el Teatro La Scala de Milán,  con quien colabora desde hace muchos años. Entre las muchas producciones mencionamos: Simon Boccanegra dirigido por Sir Georg Solti, y Tosca, Rigoletto, Il Trovatore, Nabucco, Macbeth, La Forza del Destino, I Due Foscari, y Otello dirigidas por el Maestro Riccardo Muti.

Desde su debut en 1980, en Un Ballo in Maschera de Verdi, al lado de Luciano Pavarotti, ha estado presente de manera ininterrumpida en el Metropolitan Opera de Nueva York. En 2001, para el Centésimo aniversario luctuoso de la muerte de Giuseppe Verdi, Leo Nucci se presentó, además de en el Teatro de La Scala, en los mayores teatros de ópera y salas de concierto de todo el mundo con producciones verdianas en Viena con Il Trovatore, Un Ballo in Maschera, y una nueva producción de Nabucco; en Zurich con Attila; en París con Macbeth; en Verona con Rigoletto; y en Parma en el concierto "Verdi 100"  dirigido por Zubin Metha junto a Plácido Domingo, José Carreras, Ruggero Raimondi, Daniela Dessi, José Cura, Marcelo Álvarez, Barbara Frittoli, Mariella Devia y otros artistas más.

Ha sido nominado Kammmeroper de la Staatsoper de Viena. Es Embajador de la UNICEF y sus actividades benéficas son muy numerosas. Entre ellas recordemos la construcción y el mantenimiento de una casa para niños abandonados en Chile. Leo Nucci frecuentemente está ocupado en conciertos para la colecta de fondos dedicados a esta y a otras iniciativas de beneficencia.

En el verano del 2005 regresó a la Arena de Verona, en donde ha sido huésped en todas sus recientes temporadas, con Nabucco.  Se ocupó de la nueva producción de La Forza del Destino en la Opernhaus de Zurich, teatro que se ha vuelto como su segunda casa y donde canta cada temporada.

En lo personal, lo considero uno de los tres mejores barítonos verdianos del siglo XX.


Juan Diego Flórez


Juan Diego Flórez
Juan Diego Flórez

Juan Diego Flórez nació en Lima, Perú, el 13 de enero de 1973; es un tenor lírico. Es considerado uno de los mejores tenores de las dos primeras décadas del siglo XXI.

Juan Diego es hijo del cantante y guitarrista Rubén Flórez Pinedo, acompañante de la célebre cantautora Chabuca Granda. Estaba  cursando la secundaria cuando su maestro de música le dio sus primeras clases de impostación vocal y lo hizo cantar como solista del colegio en concursos escolares y en presentaciones de Zarzuelas con sus compañeros de grado y lo hizo ingresar al Conservatorio de Música (Lima) a inicios del año 1990.

Fue miembro del Coro Nacional del Perú y cantó como solista en La Misa de Coronación de Mozart y en La Pettite Messe Solennelle de Gioachino Rossini.

Comenzó a cantar en producciones de ópera estudiantiles dentro del repertorio por el cual es conocido hoy, Rossini y óperas del bel canto de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti. También estudió con Marilyn Horne en California. En 1994, el tenor peruano, Ernesto Palacio, lo invito a Italia, a participar en una grabación de la ópera de Vicente Martín y Soler, Il tuttore burlato, y se convirtió en maestro y mentor de Juan Diego.

El debut profesional llegó con el Festival Rossini de Pésaro de 1996. 

Originalmente iba a participar en un pequeño rol en la ópera Riccardo e Zoraide y en el coro de otras, pero dejó las filas del coro para tomar el reemplazo del papel del tenor principal de Corradino en Matilde de Shabran de Donizetti, dado que el tenor principal propuesto, Bruce Ford, estaba enfermo. Su presentación causó sensación y continuó reemplazando en otras ocasiones a Giuseppe Sabbatini. Ese mismo año hizo su debut en el Teatro La Scala de Milán como el Cavaliere danese  en Armide de Christoph Willibald Gluck. Luego siguió su debut en el Royal Opera House, Covent Garden en 1997 donde interpretó el papel del Conde Potoski en una versión de concierto de Elisabetta de Donizetti. Siguieron su debut  en la ópera Estatal de Viena en 2000 como Rinuccio en Gianni Schicchi y en el Metropolitan Opera en 2002 como el conde de Almaviva en el Barbero de Sevilla.

Ha sido distinguido con el premio Abbiati 2000 (otorgado por los críticos italianos al mejor cantante del año), el Rossini d'oro, el Bellini d'oro, el premio Aureliano Pertile, El premio Francesco Tamagno y el premio l'Opera award (Migliore Tenore) por su actuación del 2001 de la ópera La Sonnambula de Bellini en La Scala.

En octubre de 2003, Luciano Pavarotti declaró que el peruano Juan Diego Flórez podría ser su sucesor como cantante de ópera. Sin embargo, tanto la crítica como el propio Juan Diego han declarado que, mientras Pavarotti fue un tenor lírico, Flórez es un tenor lírico ligero, por lo que sus repertorios difieren.

El 20 de febrero de 2007 rompió la tradición impuesta por Arturo Toscanini en La Scala de Milán y ofreció un bis en el estreno de "La hija del regimiento" de Donizetti, cuando en el papel de Tonio le tocó atacar el aria "Ah, mes amis" con sus célebres nueve Do agudos (Do de pecho). En cuanto Flórez terminó de cantarla, los espectadores se pusieron de pie y apaludieron durante más de cinco minutos. El último bis de un cantante en La Scala, ocurrió en 1933 cuando el bajo ruso Fiódor Chaliapin tuvo que repetir "La Calunnia"  del Barbero de Sevilla de Rossini.

El 5 de abril de 2008, contrajo nupcias con Julia flórez en la Catedral de Lima. El cardenal Juan Luis Cipriani Thorne presidió la ceremonia. El día 9 de abril de 2011, nació en Nueva York su primer hijo, Leandro, minutos antes de que Juan Diego cantara el papel titular de Le Comte Ory de Rossini, en el Metropolitan Opera para la transmisión mundial del Met.


Plácido Domingo


Plácido Domingo nació en Madrid, España, el 21 de enero de 1941; es un cantante de ópera (en su primera etapa fue tenor, hoy en día canta papeles de barítono), es director de orquesta, productor y compositor con las nacionalidades española y mexicana.

Actualmente es director general de la Opera de Washington y de la Opera de Los Angeles.

Sus padres fueron Plácido Domingo y Pepita Embil, cantantes de zarzuela. En 1946, se trasladó la familia a la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música. En 1957 se casó con la pianista mexicana Ana Maria Guerra Cué, con quien tuvo su primer hijo Plácido Domingo Guerra, que nació el 16 de junio de 1958. El matrimonio duró poco tiempo (dos años); ella falleció en 2006. Él volvió a casarse en 1962 con la soprano Marta Ornelas, a quien conoció estando en el Conservatorio.

Plácido debutó como barítono el 12 de mayo de 1959, interpretando a Pascual en la ópera Marina, en el Teatro Degollado de la ciudad de Guadalajara, México. En el mismo año cantó, esta vez como tenor el papel de Alfredo en la ópera La traviata de Giuseppe Verdi, en el teatro Maria Teresa Montoya de la ciudad de Monterrey. En 1962 se fue a la Ópera Nacional de Israel donde logró triunfar y proyectar su imagen después de haberse presentado en 280 ocasiones en un lapso de dos años y medio.

Con su segunda esposa tuvo dos hijos, Plácido y Álvaro. Para la Copa del Mundo de España en 1982, grabó el tema oficial de esa copa FIFA de futból.

El 21 de enero de 2011, día de su 70 cumpleaños fue homenajeado con una función de gala en el Teatro Real de Madrid, a la que asistieron entre otras personalidades, la reina Sofía, que lo acompañó en el palco real.

Se dio a conocer internacionalmente con su debut en Hamburgo en 1967. Se presentó por primera vez en el Metropolitan Opera de Nueva York el 28 de septiembre de 1968, en Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, cantando con Renata Tebaldi. Desde esa fecha ha abierto la temporada de ópera en esa Casa en veintiún ocasiones, superando el récord anterior que estaba en manos de Enrico Caruso, con cuatro aperturas de temporada.

En marzo de 2008, un jurado de dieciséis críticos especializados fue convocado por la revista BBC Music Magazine y eligió a Plácido Domingo como el más grande tenor de todos los tiempos.

En 1993 fundó Operalia, un concurso donde participan nuevos jóvenes valores dentro de la ópera y la zarzuela.

En la historia de los grandes aplausos, el tenor Luciano Pavarotti se llevó la palma en 1968, al ser aplaudido durante 67 minutos por su actuación en la ópera El elixir de amor de Gaetano Donizetti, en la Ópera de Berlín. Ese fue, durante más de veinte años, el aplauso más largo de la historia hasta que, en 1991, Plácido consiguió superarlo en una de sus interpretaciones de la ópera Otello de Verdi, realizada en Viena. El tenor logró arrancar al público un aplauso de 80 minutos durante los cuales el cantante salió a agradecer 101 veces al público su muestra de cariño.


Francesco Cilea


Francesco Cilea nació el 23 de julio de 1866 y murió el 20 de noviembre de 1950; fue un compositor italiano especialmente conocido por sus óperas L' arlesiana y Adriana Lecouvreur.

Estudió en el Conservatorio San Pietro a Maiella en Nápoles, obteniendo una medalla de oro del ministero della Pubblica Istruzione (Departamento de Educación).

En 1889, para su examen final al término de su curso de estudios, presentó su ópera Gina, con un libreto de Enrico Golisciani. Este melodrama se presentó en el teatro de la universidad y atrajo la atención de los editores Sonzogno, que organizó una segunda producción en Florencia, en 1892.

Sonzogno le encargó a Cilea la ópera La Tilda, una ópera verista en tres actos breves. La Tilda tuvo su primera presentación exitosa en abril de 1892 en el Teatro Pagliano de Florencia, después de algunas presentaciones en otros teatros italianos, llegó a la exposición de Viena el 24 de septiembre de 1892 junto con otras obras del grupo de Sonzogno.

El 27 de noviembre de 1897, en el Teatro Lírico de Milán vio el estreno de su tercera ópera L'Arlesiana con libreto de Leopoldo Marenco. Entre el elenco estaba el joven Enrico Caruso, que interpretó con gran éxito El Lamento di Federico: Ella  solita storia del pastore, el romance que debía mantener vivo el recuerdo de la ópera hasta nuestros días.

De nuevo en el Teatro Lírico de Milán, el 6 de noviembre de 1902 estrenó con mucho éxito su ópera Adriana Lecouvreur, con libreto de Arturo Colautti.

La última ópera de Cilea, Gloria, se estrenó en La Scala de Milán el 15 de abril de 1907, bajo la batuta de Arturo Toscanini, una tragedia en tres actos con un libreto del mismo Arturo Colautti; la obra fue retirada después de dos presentaciones y el fracaso de esta obra, condicionó al compositor a abandonar definitivamente la etapa operística para siempre.

El Conservatorio de Música y el Teatro Comunal de Reggio di Calabria fueron renombrados en su memoria y su ciudad natal, Palmi construyó un mausoleo en su memoria, decorado con escenas del mito de Orfeo.

 


Gioachino Rossini

Nació en Pesaro el 29 de febrero de 1792 y murió en París, Francia el 13 de noviembre de 1868; Fue un compositor italiano. Su popularidad le hizo asumir el trono de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX.

Estudió en el Conservatorio de Bolonia, donde el 8 de agosto de 1808, presentó su primera composición, la cantata "Il pianto d'armonia per la morte d'Orfeo", que fue premiada y que decidió su futuro vocacional orientado hacia la música.

Su primera ópera, "La cambiale di matrimonio" la estrena en Venecia en 1810, por la cual le pagaron 200 francos. A partir de ese momento hasta 1812 preparó 7 ópera y un oratorio; tenía apenas 20 años de edad. Su reputación se incrementa, después del estreno de "La pietra del paragone" en Milán, 1812; el "Tancredi" (1813) en Venecia, "L'Italiana in Algeri" (1813)  también en Venecia, teatro de San Benedetto y "Il turco in Italia" (1814), Milán, teatro alla Scala, que lo colocan en el primer nivel entre los músicos y es llamado "El Cisne de Pesaro".

Continúo con la producción de su obra y así se estrenan "Elisabetta" en 1815 en Nápoles; "El barbero de Sevilla", su obra maestra en Roma, 1816 del  género cómico producida en Italia; "Otello", 1816; "La Cenerentola", Roma, 1817; "La Gazza ladra", Milán, 1817; "Armida", Nápoles 1817; "Mosé in Egitto", Nápoles 1818; "Ermione", Nápoles 1819; "La donna del lago", Nápoles 1819.

En 1822, Rossini sale de Italia, hace representar su ópera Zelmira en Viena; regresa a Venecia y estrena "Semiramide" (1823). Este mismo año Rossini se traslada a Londres donde en menos de cinco meses gana más de 10,000 libras esterlinas. De Londres pasó a París haciéndose cargo del Teatro Italiano, pero falto de dotes de organización, fracasó. En París presenta "El Conde Ory" (1828) y otras, hasta llegar en 1829 al estreno de "Guillermo Tell" que resultaría ser su última ópera que escribió y que algunos críticos mencionan que es su obra maestra. Luego dejó su célebre Stabat Mater (1832), una pequeña misa solemne , coros, etc. 

Rossini se había casado en 1822 con Isabel Colbrán, cantante de Nápoles, que falleció en 1845 a la edad de 60 años, y en 1847 Rossini contrajo matrimonio con Olimpia Pelissier, con la que tampoco fue feliz. En 1836 se había retirado a Italia, pero la revolución en Bolonia lo convenció a regresar a París, donde se estableció definitivamente en 1855 en su villa de Passy, completamente retirado de la música. A los 37 años, en el apogeo de su gloria, el maestro había renunciado al teatro para siempre, vive como gran burgués y destacado "gourmet"; también en gastronomía su nombre perdura. 

Se encontraba en un estado de debilidad extrema. "No sé lo que tengo, decía; los médicos me aseguran que es neurastenia; me encuentro muy mal. Mi enfermedad no tiene cura". El 13 de noviembre de 1868 murió en su villa de Passy el notable maestro. Su entierro fue una verdadera manifestación de duelo. La ceremonia religiosa se efectuó en la iglesia de la Trinidad el día 21 del mismo mes, asistiendo todos los músicos parisinos, entre ellos Duprez, Fauré, Tamburini, la Alboni, la Patti, Gabriela Krauss, Cristina Nilson, etc.

Sus restos fueron depositados en el cementerio del Padre Lachaise de París, donde tuvo su capilla y en junio de 1887 fueron trasladados a la iglesia de Santa Maria della Croce de Florencia, acompañados entre otros, por el tenor Tamberlick. 


Wolfgang Amadeus Mozart

Nació en Salzburgo, 27 de enero de 1756 y murió en Viena, el 5 de diciembre de 1791. Fue un compositor y músico austriaco, maestro del Clasicismo y reconocido como uno de los músicos más célebres de la historia.

La obra mozartiana comprende todos los géneros musicales de su tiempo e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría aceptadas como obras maestras de la música sinfónica, operística y coral difundida internacionalmente.

En su niñez en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. A los cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, sin embargo, su deseo de mejorarse le llevó a viajar en busca de alcanzar mejores posiciones, y componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que conservo toda su vida, a pesar de por problemas difíciles de diversa índole. En sus últimos años, compuso muchas de sus obras importantes como sinfonías, conciertos y óperas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su prematuro fallecimiento han sido objeto de numerosas investigaciones, estudios y especulaciones que se han considerado como mito.

Críticos como Nicholas Till, Mozart desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión --todo bien fundado por una visión de la humanidad "redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto".

Wolfgang fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima tasa de mortalidad infantil en la Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron  Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart.

Desde muy pequeños, Nannerl y Wolfgang mostraron aptitudes para la música. Nannerl recibía clases de teclado con su padre cuando tenía siete años y su hermano cuatro años y medio menor que ella, la miraba fascinado. Años después de la muerte de su hermano ella recuerda que a la edad de cinco años, Wolfgang ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.

Wolfgang a los cuatro años tocaba el clavicordio; a los seis años tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

El 12 de enero de 1762 la familia partió en un viaje a Múnich para mostrar las habilidades de los hijos de Leopold y comenzaron con una exhibición en la corte del príncipe elector de Baviera Maximiliano III y más tarde en el transcurso de ese año en la corte Imperial de José II de Habsburgo en Viena y Praga. En Viena culminaron sus presentaciones con dos recitales ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn. El 5 de enero de 1763 regresó la familia a Salzburgo.

El 9 de junio de 1763 iniciaron una larga gira de conciertos que duró tres años y medio donde tuvieron presentaciones en diversas cortes de Europa. Durante este viaje Mozart conoció un gran número de músicos y las obras de otros compositores, en particular a Johann Christian Bach, a quien Mozart visitó en Londres en 1764 y 1765. Bach fue una fuerte influencia para el joven compositor. Regresaron a Viena a finales de 1767; fueron llamados al palacio por la madre del emperador, Maria Teresa, quien quedó encantada con el niño Wolfgang Amadeus hasta el punto de que incluso lo sentó en su regazo y lo besó.

En Versalles, los Mozart tocaron ante el monarca Luis XV. La anécdota cuenta que en esa ocasión la amante del rey, la altiva Madame Pompadour, no permitió que el niño Wolfgang le diera un abrazo por temor a que se estropeara su traje. En Londres causaron la admiración del rey Jorge III y durante este viaje el joven músico compuso su Primera Sinfonía. En los Países Bajos deslumbró tocando el órgano y compuso su primer oratorio a los nueve años.

Leopold y Wolfgang iniciaron un viaje a Italia que duraría de diciembre de 1769 a marzo de 1771. Mozart conoció en Bolonia a Giovanni Battista Martini a quien siempre le guardaría un gran afecto, y fue aceptado como miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia, considerada el centro de erudición musical de la época. El ingreso de Mozart en la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los veinte años, edad mínima exigida por el reglamento.

Llegaron a Roma el 11 de abril de 1770, donde escuchó el Miserere de Gregorio Allegri una vez durante una representación en la Capilla Sixtina. Esta obra tenía carácter secreto, pues sólo podía interpretarse en dicho lugar y su publicación estaba prohibida bajo pena de excomunión. Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El papa Clemente XIV, admirado del talento del músico de catorce años, no sólo no lo excomulgó, sino que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro.

En Milán, Mozart escribió la ópera Mitridate, re di Ponto, que fue interpretada con éxito. Esto supuso el encargo de dos nuevas óperas, Ascanio in Alba y Lucio Silla. Hacia el final del viaje a Italia, Mozart escribió la primera de sus obras más famosas y que todavía es interpretada en la actualidad, el motete Exsultate, jubilate, KV 165.

En Salzburgo las cosas no marchaban bien desde el punto de vista económico ya que su salario de Wolfgang era de 150 florines anuales y la situación empeoró en 1775 cuando el teatro de la corte fue clausurado, especialmente desde que el otro teatro de Salzburgo fue reservado para las compañías visitantes.

Leopold y Wolfgang salieron en busca de trabajo y visitaron Viena, Múnich y después de dos años concluyeron que sus visitas no tuvieron éxito, aunque en Múnich tuvo una gran acogida popular con el estreno de la ópera La finta giardiniera y el viaje a Viena fue positivo porque conoció el nuevo estilo vienés a través de la música de Joseph Haydn.

Se enamora de Aloysia Weber, una de las cuatro hijas de la familia Weber, a la que conoció durante una escala en Múnich. Iniciaron un viaje  a París el 14 de marzo de 1778 en busca de trabajo. Durante el viaje recibieron la noticia de que la madre de Mozart enfermó y falleció el 3 de julio de 1778. Probablemente se demoraron demasiado en llamar al médico presumiblemente por falta de fondos.

Wolfgang regresó a su hogar el 15 de enero de 1779 y aceptó el nuevo puesto, pero su descontento con Salzburgo no había disminuido.

En enero de 1781, se estrenó en Múnich la ópera Idomeneo, re di Creta de Mozart con un considerable éxito y en marzo el compositor fue llamado a Viena donde su patrón el arzobispo Hyeronimus von Colloredo acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador. Empezaron a surgir violentos enfrentamientos con el arzobispo Colloredo y Mozart acaba dimitiendo a pesar de que su padre le pide que no lo haga.

La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo.En 1782 completó la ópera El rapto en el Serrallo que fue estrenada el 16 de julio de ese mismo año, obteniendo una enorme aclamación y que dio inicio al género operístico conocido como Singspiel u ópera alemana en un momento en que el italiano era el idioma oficial para la ópera. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que conocería en vida. 

Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, que estaba ahora casada con el actor Joseph Lange, encontró consuelo en Constanze, la hermana menor.

El 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se casaron en Viena. Para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la inconclusa Gran Misa de do menor. El matrimonio tuvo 6 hijos: Raimund Leopold (17 de junio de 1783-19 de agosto 1783), Karl Thomas Mozart (21 de septiembre de 1784-31 de octubre de 1858), Johann Thomas Leopold (18 de octubre de 1786-15 de noviembre de ese año), Theresia Constanzia Adheleid Friedericke Maria Anna (27 de diciembre de 1787-29 de junio de 1788), Anna Maria (25 de diciembre de 1789, fallecida poco después de su nacimiento) y Franz Xaver Wolfgang Mozart (26 de julio de 1791-29 de julio de 1844) de los cuales sólo dos sobrevivieron.

En 1782 y 1783 conoció profundamente  la obra de Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach. Se puede apreciar la influencia de Händel y Bach en los pasajes de fuga de La flauta mágica y el final de la Sinfonía Júpiter. En 1783, Mozart y Constanze visitaron a la familia de este en Salzburgo. Aprovechó Mozart para estrenar en Salzburgo su Gran Misa en do menor. Aunque no completada, fue estrenada con Constanze cantando las partes solistas.

Mozart preparó seis cuartetos de cuerdas dedicados a Haydn; al oírlos, Haydn permaneció de pie como signo de respeto hacia Mozart y le dijo a Leopold sobre Wolfgang: "Le digo a usted ante Dios, y como un hombre honesto, que su hijo es el mayor compositor conocido por mi en persona y por reputación, tiene gusto y, además, la mayor habilidad para la composición".

El 14 de diciembre de 1784, Mozart se convirtió en francmasón y fue admitido por la logia Zur Wohltätigkeit. La francmasonería jugó un papel importante en el resto de la vida del compositor, ya que acudió a muchas reuniones, muchos de sus amigos eran masones y en varias ocasiones compuso música masónica. En los siguientes cuatro años compuso  poca literatura operística, produciendo únicamente dos obras inconclusas (L'oca del Cairo, y Lo sposo deluso) y la comedia en un acto Der Schauspieldirektor. En 1785, Mozart abandonó la composición de obras para teclado y comenzó su famosa colaboración operística con el libretista Lorenzo da Ponte.

En 1786, tuvo lugar en Viena el exitoso estreno de la ópera Las bodas de Fígaro, basada en la obra homónima de Pierre-Agustín de Beaumarchais y que no estuvo exenta de polémica debido a su contenido político. Sin Embargo, La preocupación del Emperador residía en que la obra sugería la lucha de clases y en Francia ya había provocado algunos disturbios a su hermana María Antonieta. En el aria de Fígaro "Se vuol ballare" se nota parte de ese contenido que quiso minimizarse.

Su recepción en Praga más tarde en el mismo año fue aún más cálida y esto condujo a una segunda colaboración con Da Ponte: la ópera Don Giovanni, que fue estrenada en Praga en octubre de 1787 con un rotundo éxito, al igual que sucedió en su estreno en Viena en 1788. El padre del compositor, Leopold, no pudo ser testigo de estos acontecimientos, ya que había fallecido el 28 de mayo de 1787. Esto sumió al hijo en una gran aflicción, ya que su padre había sido su mejor consejero y amigo.

En diciembre de 1787, Mozart finalmente obtuvo un puesto estable bajo el patrocinio aristocrático. El emperador José II lo designó como su compositor de cámara, un puesto que había quedado vacante el mes anterior tras la muerte de Christoph Willibald Gluck.

Las principales obras de 1788 incluyen las tres últimas sinfonías (Nº 39, la nº 40 y la nº 41 Júpiter), y la última de las tres óperas escritas en colaboración con Da Ponte, Cosi fan tutte, estrenada en 1790.

El último año de vida de Mozart, 1791, fue hasta su enfermedad final, un tiempo de gran productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal. Realizó numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados: la ópera La flauta mágica.

La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Se sintió enfermo en Praga el 6 de septiembre durante el estreno de su ópera La clemenza di Tito, compuesta en ese año para como un encargo para los festejos de la coronación de Leopoldo II como emperador. Mozart se puso a trabajar con el empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de La flauta mágica. Esta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre, con el propio Mozart como director.

El 5 de diciembre de 1791, hacia la medianoche, llegó el doctor Closset de la ópera y ordenó que le pusieran compresas frías de agua y vinagre para bajarle la fiebre. Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde anteriormente se había casado con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha).


Jacques Offenbach


Nació el 20 de junio de 1819, en Colonia, hoy Alemania y falleció el 5 de octubre de 1880 en París, Francia.

Comenzó a tocar el violín a temprana edad, y luego se dedicó al cello. Como París presentaba un ambiente más favorable para los judíos  en Europa, su padre lo llevó allí. En 1833, comenzó a estudiar el cello en el Conservatorio de París.

Además estudió composición musical con Fromental Halévy. Tocó en la orquesta de la Opéra-Comique lo que le ayudó a convertirse en uno de los mejores violoncellistas de Europa. Durante este tiempo, también llevo a cabo su labor de escribir sus primeros trabajos operísticos.

Después de convertirse al catolicismo, Offenbach se casó con una española, Herminie d'Alcain, en 1844. Por esta época , también comenzó a viajar por Europa para dar actuaciones tocando con figuras tales como Franz Liszt y Félix Mendelssohn. El año 1847 marcó un punto un punto de inflexión para Offenbach, cuando su enfoque comenzó a cambiar hacia la realización y composición de operetas. Su primera opereta fue La alcoba.

Hacia el final de la década, Offenbach fue nombrado como el nuevo director en el Théâtre Francais. Abrió su propio teatro, los Bouffes-Parisiens, en 1855, y se desempeñó como su director durante más de una década. En los Bouffes-Parisiens y en otros teatros, trajo a la vida varias de sus operetas, incluyendo el enorme suceso de Orphée aux enfers (Orfeo en los infiernos, 1858) y la Périchole (1868). También produjo y dirigió obras en Alemania y Austria durante este periodo.

La década de 1860 fueron los años dorados de Offenbach; el éxito que experimentó entonces no se repetiría más tarde en su vida. En la década de 1870, Offenbach tomó el timón del Théâtre de la Gaité durante cuatro años. Sin embargo, su situación financiera cayó en el caos después de algunos fracasos teatrales y el compositor se declaró en bancarrota. Para ayudar a reponer sus cuentas, viajó a los Estados Unidos para realizar una gira en 1876.

Después de su regreso a Francia, una vez más se dedicó a la composición. Comenzó a escribir su primera y única gran ópera, Los Cuentos de Hoffmann, que ha sido descrita como una ópera-fantástica. Desafortunadamente, no pudo concluir el trabajo antes de su muerte en París el 5 de octubre de 1880 a los 61 años. A pesar de que quedó inconclusa, Los Cuentos de Hoffmann fueron producidos y estrenados en la Opéra-Comique en 1881, cuatro meses después de su muerte.


Adelina Patti

Nació en Madrid, el 19 de septiembre de 1843 y falleció en Gales, el 27 de septiembre de 1919; fue una soprano italiana, ejemplo de la diva (prima donna) de ópera, fue considerada la cantante más brillante de su tiempo y la soprano más notable del último cuarto del siglo XIX.

Durante sus años de éxito entre 1865-1890 su reinado en los escenarios fue absoluto. Supo estar a la cabeza de todas sus colegas, si bien, rivales como Jenny Lind, Ilma de Murska, Pauline Lucca, Christina Nilsson, Thérèse Tietjens, Etelka Gerster trataron de destronarla, nunca nadie pudo igualarla en perfección vocal, favor del público y olfato empresarial que la encumbraron según muchos al sitial de la cantante que más dinero ha ganado en su carrera.

Su triunfo maravilloso se repitió en todos los escenarios donde cantó, dejando un sinnúmero de imitadoras como la Arnoldson, Marcella Sembrich, la Torresella, la Albani, y Nellie Melba.

Dada su actitud de diva y conocida rivalidad con Christina Nilsson, se cree que el personaje de Carlotta Giudicelli de "El fantasma de la ópera" de Gastón Leroux esá inspirado en ella.

Su voz, de características lírico-spinto, aunque no poseía un volumen descomunal, era timbrada e incisiva y su técnica le permitía hacer frenta a cualquier masa orquestal sin dañar su órgano. Dominaba la técnica de coloratura con pasmosa facilidad, lo que le permitió encarnar con total éxito la vasta gama de heroínas de Rossini, Bellini y Donizetti.

Su órgano vocal era pastoso y aterciopelado, y todas sus ejecuciones tenían una precisión increíble e trinos, escalas, cambios de registro y ataques que dejaban pasmados a su público como también a toda una generación de sopranos estudiantes de canto que se dice desistieron de cantar tras pensar "Jamás lograré cantar como la Patti".

Sus padres fueron el tenor Salvatore Patti y la soprano Caterina Chiesa Barilli. Mientras su madre interpretaba a Norma, debió interrumpir su actuación para dar a luz a Adelina. Durante algún tiempo se presentó como niña prodigio pero pronto inició sus estudios de canto con toda seriedad con Elisa Valentini, con su hermanastro Ettore Barilli  y con Emanuele Muzio.  Llegó a asegurar que había sido autodidacta, sin embargo, lo cierto es que la base de su canto está en la enseñanza de su cuñado Maurice Strakosch, pianista y tenor que tuvo éxito como director de compañías operísticas.

Su debut definitivo fue en la Academy of Music de Nueva York con Lucia Di Lammermoor, en noviembre de 1859 con tan sólo 16 años de edad y bajo el seudónimo de "Little Florinda".

La comunidad italiana residente en Nueva York la adoptó como su ídolo de forma inmediata y la Patti supo utilizar el cariño del público para elevarse a un status de estrella.

En mayo de 1862 y a la edad de 18 años fue invitada a presentarse por primera vez en el Covent Garden de Londres como Amina en La Sonnambula y en donde actuaría por 25 temporadas consecutivas hasta 1886. El mismo año compró una casa al sur de Londres, que le sirvió de base para sus siguientes triunfos en París y Viena, donde volvió a cantar el papel de Amina de Bellini con gran éxito.

En 1863, se presentó en la Casa Blanca en presencia de Abraham y Mary Lincoln que estaban de luto por su hijo Willie , muerto de tifus.Con el paso de los años su voz fue madurando y sus centros y graves adquirieron mayor presencia y la soprano incluyó con éxito a heroínas de corte más lírico como Julieta en Romeo y Julieta o Marguerite en Fausto y otras de tipo más dramático como Elvira en Ernani (con resultados espectaculares en el Covent Garden), Semiramide de Rossini, Valentine en Les Huguenots y Selika en L'Africaine de Meyerbeer o Aida en el estreno de la ópera en Londres.

Frecuentaba las veladas sabatinas en casa de Gioachino Rossini y en una de ellas interpretó "Una voce poco fa" de El barbero de Sevilla del propio Rossini, en una manera muy retocada de arreglo probable de su cuñado Maurice Strakosch. Al terminar Rossini le dijo "Excelente querida, pero díganos ¿De quién es...? Sin embargo, en el año 1868 estaba presente en la casa del compositor durante su agonía y cantó en sus funerales junto a Marietta Alboni, otro fenómeno de su tiempo. El mismo año se casó con el Marques de Caux, escudero del Emperador Napoleón III que era 18 años mayor que ella y con quien estaría casada por más de 10 años.

La Patti pasó a la historia no sólo como la mejor soprano de su generación sino también como la cantante mejor pagada de la historia, tomando en cuenta las inflaciones y deflaciones ocurridas desde 1870 sus ingresos siguen siendo los más abultados que un cantante haya recibido. Muy a pesar de Pavarotti u otras estrellas posteriores.

En su mejor momento la Patti cobraba $ 5,000 dólares en oro por presentación en Estados Unidos y 200 guineas en Inglaterra. La suma se volvió incluso más estratosférica cuando en la temporada 1888-89 llegó a cobrar $ 500,000 dólares por función.

En 1875 conoció al tenor Ernesto Nicolini y comenzaron a cantar juntos en las diversas funciones que la soprano organizaba. Ambos se vieron envueltos en un romance que acabó con el matrimonio de la Patti.

En 1878 compró el castillo de Craig-y-Nos en el sur de Gales por la suma de $ 5,250 y se mudó a él no con su marido, sino con Nicolini. Solamente en 1886 pudo obtener el divorcio de su marido después de entregarle $ 96,000 dólares como indemnización.

Inició una serie de remodelaciones en el castillo que incluían un invernadero, una nueva ala norte, un teatro de 150 plateas réplica de La Scala y una torre con reloj. Por esa misma época su colección personal de joyas alcanzaba tal tamaño que se dice era la más grande después de la colección de la Reina Victoria.

El matrimonio con Nicolini duró desde 1886 hasta 1898 cuando el tenor falleció. La Patti entonces contrajo matrimonio con el barón sueco Rolf Cederström, de 28 años, quien según los rumores era su masajista. No tuvieron hijos pero a la muerte de la diva, él se volvió a casar y la hija de ese matrimonio, Brita Yvonne Cederström (*1924) fue la única heredera de Patti.

En el otoño de su carrera en el recién fundado Metropolitan Opera hizo su presentación en el curso de una gala en 1892 cantando la escena de la locura de Lucia di Lammermoor y partes de Semiramide.

A mediados de la década comenzó una serie de conciertos cobrados a precios exhorbitantes que muchas veces se acercaban al millón de dólares por concierto.

En 1897 concluyó su carrera teatral con La traviata y Lucia di Lammermoor en Montecarlo aunque haría una última aparición como Rosina en Il barbieri di Siviglia pero de manera privada en el teatro de Jean de Reszke en París.

Su último concierto data de 1914 en el Royal Albert Hall de Londres, donde cantó "Voi che sapete" en el curso de una gala destinada a beneficencia de la Cruz Roja.

Adelina Patti falleció en su castillo el 27 de septiembre de 1919. Se encuentra enterrada en el cementerio del Père-Lachaise.

Hay que decir que la Patti no fue la primera Rosina soprano ni menos la última pero si fue la más exitosa de su tiempo por más de un siglo venidero hasta el retorno a la cuerda original de mezzosoprano por Giulietta Simionato a mediados de 1950's o Marilyn Horne y Teresa Berganza en 1960's.

 

Anécdotas.

La Patti era inflexible en asuntos de dinero y lo era más cuando se trataba de dinero estipulado por contrato.

En una ocasión mantuvo durante una hora el telón sin levantar en Nueva York porque el Coronel Mapleson, al pagarle el precio estipulado en su contrato, se había quedado corto en 200 dólares.

La anécdota cuenta que la Patti se vistió estupendamente como Violeta Valèry en La traviata con la sola excepción de sus zapatos, los que se negó a usar hasta que recibiera los faltantes dólares. Mapleson desesperado reunió la suma entre el público y sus amistades para que la Patti pudiera salir debidamente vestida a cantar.

El mismo Coronel contaba que la soprano tenía un loro en su camerín al que había entrenado de tal manera que siempre que él entraba el loro gritaba "Cash! Cash!".

L anécdota cuenta que para mantener su voz en perfecto estado la Patti comía todas las mañanas un sándwich con 12 lenguas de canario.

Su colección de joyas era la más grande en Europa después de la Reina Victoria y la cantante solía usar muchas de ellas en sus representaciones, fuera encarnando a reinas o humildes campesinas; siempre sabía usar su invaluable colección.

Un día le preguntaron cuál era su público preferido:

Los reyes - respondió la Patti

¿Y de todos los reyes cuál es el que mejor le cae?

El zar Alejandro -respondió ella- es el que regala mejores joyas.


Gaetano Donizetti


Compositor italiano; nació en Bérgamo el 29 de noviembre de 1797. Perteneció al brillante triunvirato junto con Giochino Rossini y Vincenzo Bellini que representó a la ópera italiana en la primera mitad del siglo XIX. 

Estudió en Bérgamo con Simón Mayr, párroco de la iglesia principal de Bérgamo, que fue también compositor de óperas exitosas; en Bolonia con Mattei y Pilott. Por desaveniencias con su padre, se hizo soldado y mientras su regimiento estaba en Nápoles, escribió su primera ópera "Enrico, conte de Bergogna" (1818) y en seguida "Il Falegname de Livoria" (1819) con cuya buena aceptación inició su prestigio.

Después de componer su cuarta ópera Zoraida di Granata, el empresario Domenico Barbaja prominente administrador de teatros, que había escuchado esta obra, quedó impresionado y le ofreció un contrato para componer en la ciudad de Nápoles.

Como Rossini dejó de escribir para el teatro a partir de su estreno del "Guillermo Tell" (1829) quedaron Bellini y Donizetti.

La primera ópera que le dio fama en toda Europa, fue "Anna Bolena" (1830), escrita para Giudita Pasta y el tenor Giovanni Battista Rubini. Dos años después presenta "L'elisir d'Amore" que se dice que la escribió en 15 días. En realidad fue uno de los autores más prolíficos (compuso cerca de 75 óperas, pues sólo con el empresario Barbaja estaba comprometido a darle 4 óperas al año. El 26 de septiembre de 1835, presenta en Nápoles su obra maestra "Lucía Di Lammermoor", recibida con aclamaciones y quedando en el repertorio mundial del arte lírico. La muerte de Bellini acaecida ese mismo año y el silencio de Rossini, dejaron a Donizetti dueño de la situación. En 1839 la censura de Nápoles por asunto político prohibió la representación de su ópera "Poliuto" pero se fue a París y la estrenó con el título de "Les Martyrs" (1840); Siguió "La hija del regimiento" y "La Favorita" que acabaron por triunfar plenamente. Pasó el maestro a Roma, a Milán y en Viena, estrena "Linda de Chamounix" (1842). Regresa a París y presenta "Don Pasquale" (1843) y "Don Sebastiano" (1843), en Viena presenta "Maria De Rohan" (1843) y en Nápoles en 1844, estrena la que iba a ser su última ópera "Catarina Cornaro", que fracasó, pues ya el maestro tenía muy acentuada su enfermedad.

La esposa de Donizetti, Virginia Vasselli, dio a luz a tres hijos, de los cuales no sobrevivió ninguno. Antes de cumplirse un año de la muerte de sus padres, murió también su esposa víctima del cólera. Para 1843 Donizetti mostró síntomas de sífilis. 

En 1845 sufrió un ataque de parálisis ocurrido el 17 de agosto, Donizetti ya no pudo seguir. Estando hospitalizado para ser atendido, recibía la visita de varios amigos, incluyendo a Giuseppe Verdi. En enero de 1846, fue internado en el manicomio de Ivry, pero su demencia aumentaba y en 1848 lo trasladaron a Bérgamo donde murió el 8 de abril de ese año en la casa de la noble familia Scotti. Fue enterrado en el cementerio de Valtesse, aunque a finales del siglo XIX su cuerpo fue transferido a Bérgamo, a la Basílica de Santa María la Mayor, cerca de la tumba de su maestro Johann Simón Mayr.


Vincenzo Bellini


Nació en Catania, el 3 de noviembre de 1801 y falleció en Puteaux, el 23 de septiembre de 1835. Fue un compositor italiano y uno de los tres máximos representantes de la era del "Bel Canto" de principios del siglo XIX, junto con los compositores italianos Gioachino Rossini y Gaetano Donizetti.

Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia. Bellini fue un niño prodigio que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años.

 

Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno, contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.

 

Compuso música sacra (motetes, misas), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una gran precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas --arias y recitativos--, manteniendo la tensión dramática.

 

El estreno de su primera ópera, Adelson e Salvani, se produjo en 1825. Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlo de Nápoles y de La Scala de Milán, se interesó por ella, encargándole varias obras posteriormente.

 

Su obra más representada es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio. Durante el siglo XX destacó en este papel Maria Callas, que fue la más famosa Norma del siglo y quien recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.

 

Luego de tratar de introducirse en el ambiente operístico de Londres con escasa resonancia, Bellini se retiró a París. En Francia le sorprendió la muerte a los 34 años, tras una infección intestinal, probablemente contraída a principios de 1830.

 

Bellini fue enterrado en el Cementerio del Père Lachaise, donde permaneció durante más de 40 años, cerca de Chopin y Cherubini. En 1876 su cuerpo fue trasladado a la catedral de Catania.

 

En las diferentes etapas que marcaron el retorno a su país, el ataúd del compositor fue recibido en todas aprtes con calidez y emoción. Finalmente llegó a su ciudad natal, donde se celebró un solemne funeral al que asisitieron miles de personas de Catania, algunos familiares del compositor (entre ellos dos hermanos todavía vivos), y una amplia representación de autoridades civiles, militares y religiosas.

 

La tumba fue construida por el escultor Giovanni Battista Tassara, mientras que el monumento de la ciudad fue obra de Giulio Monteverde. Sus restos fueron repatriados a Catania por la familia Formica, que donó un Monumento funerario en la Catedral de la Ciudad, y se le ubicó cercano a la tumba de Santa Ágata.



Anna Netrebko

Anna Yúrievna Netrebko, nació el 18 de septiembre de 1971 en Krasnodar, es una cantante soprano rusa-austriaca. Una de las mejores y más importantes sopranos líricas de la última década del siglo XX y lo que va del siglo XXI. 

Comenzó su carrera artística como conserje en el Teatro Mariinski de San Petersburgo (sede de la Ópera Kirov), donde llamó la atención del director de orquesta Valeri Guérgiev y como resultado se convirtió en su guía dentro de la música.

Aconsejada por Guérguiev, debutó en el Mariinski como Susana en Las bodas de Fígaro de Mozart.Logró cantar en papeles destacados con la Ópera Kirov, incluyendo Amina en La sonnambula, Pamina en La flauta mágica, Rosina en El barbero de Sevilla, y Lucía Di Lammermoor.

En 1995, debutó en Estados Unidos como Ludmila en la Ópera de San Francisco. Se convirtió en una invitada frecuente para cantar en el Teatro de San Francisco.

El timbre de su voz y su flexibilidad vocal la capacitan para incursionar en el repertorio belcantista y romántico, bajo la dirección de Claudio Abbado y perfeccionándose con clases de la gran soprano italiana Renata Scotto, especialista en el bel canto, cosechó éxitos como Julieta en I Capuleti e i Montecchi, Gilda en Rigoletto, Musetta y Mimi en La Bohème y Lucía Di Lammermoor en la Ópera de Los Ángeles.

 

En 2002, Netrebko debutó en el Metropolitan Opera como Natasha, en el estreno de la ópera La Guerra y La paz. El mismo año cantó su primera Donna Anna en el Festival de Salzburgo, dirigida por Nikolaus Harnoncourt.

En el año 2003 interpretó el papel de Violeta en La traviata en Múnich y Donna Anna en la Royal Opera House, Covent Garden. En 2005, cantó un Romeo y Julieta acompañada por Rolando Villazón y con el que también compartió créditos en L'elisir d'Amore como Adina. El mismo año, cosechó triunfos interpretando a Violeta Valéry en La traviata acompañada una vez más por Rolando Villazón en el Festival de Salzburgo dirigidos por Carlo Rizzi.

La voz de Netrebko se caracteriza por tener la suavidad y flexibilidad de una soprano lírica y la resonancia y oscuro timbre de una soprano lírico spinto. Maneja una amplia tesitura, siendo capaz de alcanzar el Mi bemol sobreagudo de soprano e incluso fa más agudo. Esto le ha permitido cantar personajes como Elvira en I Puritani de Bellini y una alabada Susana en Las bodas de Fígaro en Salzburgo bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt.

Actuó junto a los tenores Plácido Domingo y Rolando Villazón en julio de 2006 con motivo del mundial de Alemania. La prensa alemana y austríaca han denominado a la pareja Netrebko-Villazón "la pareja soñada de la ópera".

En marzo de 2006, Netrebko solicitó ser ciudadana austriaca, recibiendo su ciudadanía en el mes de julio.

En abril de 2008, Netrebko anunció su casamiento con con el cantante uruguayo Erwin Schrott, el 5 de septiembre de ese año nació su hijo Tiago Netrebko, la soprano anunció que el niño padece de una variante de autismo. La pareja se separó en noviembre de 2013.

En diciembre de 2015 se casó con el tenor azerbaiyano Yusif Eyvázov.

Netrebko vive entre  San Petesburgo, Viena y Nueva York.


Richard Wagner

Nació en Leipzig, el 22 de mayo de 1813 y murió en Venecia, el 13 de febrero de 1883. Su padre Karl Friedrich Wagner, venía de una familia de maestros de escuela; él llegó a ser el mando de la policía de Leipzig. De su matrimonio tuvo nueve hijos. Tres de ellos, Albert, Rosalie y Klara, llegaron a ser eminentes cantantes de ópera. Richard fue el menor.

Friedrich Wagner se contagió de tifoidea muriendo el 22 de noviembre a la edad de cuarenta y tres años sin más recursos que una raquítica pensión. Acudió al rescate un viejo amigo de la familia, de nombre Ludwig Geyer, actor, comediógrafo y pintor retratista, quien contrajo matrimonio con la señora Wagner (Johanna Rosine) en 1814 y al año siguiente llevó a la familia a Dresde.

Geyer murió en 1821 cuando Richard tenía ocho años. El joven Wagner se entretuvo en sus ambiciones como dramaturgo, su primer esfuerzo creativo fue una tragedia, "Leubald", comenzada en la escuela que fue fuertemente incluida por Shakespeare y Goethe. Wagner, decidido a ponerle música, persuadió a su familia para que le permitiese tomar clases de este arte.

Wagner descubre la música a los quince años y decide dedicarse a este arte, por lo que se inscribe en la universidad de su ciudad natal en 1831. Entre los compositores que más le influyen destaca Ludwig Van Beethoven.

En 1832, Wagner inicia la composición de su primera ópera, La boda (Die Hochzeit), pero abandona la idea debido al desagrado de su hermana con el argumento.

La primera ópera completa del compositor, Las Hadas (Die Feen), fue terminada en 1833 pero no sería estrenada hasta poco después de su muerte, en 1884.

Durante estos primeros años es nombrado director musical en las orquestas de Wurzburgo y Magdeburgo. Entonces escribe "La prohibición de amar" (Das Liebesverbot), ópera inspirada en "Medida por medida" de William Shakespeare. Presentó esta obra en 1836, pero fue acogida con poco entusiasmo. Este mismo año se casa con la actriz Minna Planer. La pareja se traslada a Königsberg y después a Riga, donde Wagner ocupa el cargo de director general. Tras algunas semanas Minna lo abandona por otro hombre. Poco después ella regresa, pero la relación nunca se normalizara del todo y transcurrirá penosamente durante las tres décadas siguientes. Sumidos en las deudas, los esposos abandonan Riga de manera furtiva en 1839. Parten hacia Londres  y en el trayecto son víctimas de una tormenta que inspira a Wagner "El Holandés errante" (Der Fliegende Holländer). Los Wagner viven una temporada en París, donde Richard gana su vida reorquestando las óperas de otros compositores.

En 1840, Wagner termina su ópera Rienzi. Regresa a Alemania dos años después para estrenarla en Dresde, donde alcanza un éxito considerable. En este periodo Wagner pone en escena El holandés errante y Tannhäuser, sus primeras obras maestras.

La estancia de Wagner en Dresde termina a causa de su implicación en política de carácter anarquista.

En 1848 estalla una revolución que fue reprimida por el rey Federico Augusto II de Sajonia con el apoyo de Prusia ("Insurrección de Dresde").

Wagner pasaría los doce siguientes años en el exilio. Habiendo terminado Lohengrin antes de la insurrección de 1848, acude a su amigo Franz Lizt, a quien le pide que se represente esta ópera en su ausencia. Así Lizt dirige en persona el estreno en Weimar en agosto de 1850.

La carrera de Wagner toma un giro inesperado en 1864, cuando el rey Luis II de Baviera accede al trono a la edad de 18 años. El joven rey que admira las obras de Wagner, invita al compositor a Múnich, paga sus deudas. El rey Luis II fue conocido por sus tendencias homosexuales y habría tenido un deseo reprimido por Wagner.

A pesa de las dificultades, la presentación de Tristán Und Isolde el 10 de junio de 1865 es un éxito. En abril de 1865, Cósima, hija de Franz Lizt casada con Hans Von Bülow da a luz a Isolda, una hija de Wagner. El escándalo hace crecer la presión sobre el rey para que expulse a Wagner de la ciudad. Luis II  llega a pensar en abdicar para seguir a Wagner en el exilio, pero el músico logra disuadirlo.

Wagner se traslada a Triebschen, en las cercanías de Lucerna. En 1867 termina su ópera "Los maestros cantores de Núremberg" (Die Meistersinger Von Núremberg). Tres años después, Cósima se divorcia y contrae matrimonio con Wagner, quien le ofrece el poema sinfónico "Idilio de Sigfrido" (Siegfried Idyll) en ocasión de su cumpleaños 33, la Navidad de 1870. La pareja tiene otros dos hijos : Eva y Sigfrido.

Durante varios años, el filósofo Friedrich Wilhelm Nietzche fue un amigo próximo de los Wagner, sin embargo, terminó en una violenta enemistad.

Wagner dedicó más de 25 años a la concepción de la más ambiciosa de sus obras: el ciclo de cuatro óperas, un prólogo y tres jornadas que se conoce como El anillo del Nibelungo (Der Ring des Nibelungen).

Como siempre. Wagner escribió integramente el libreto de cada una de las óperas, empezando por el libreto que llamó primero "La muerte de Sigfrido" y que terminó convirtiéndose más tarde en "El ocaso de los dioses" (Götterdämmerung). Pensó que necesitaba una ópera previa que expusiera los hechos que antecedían a El ocaso de los dioses, escribió el libreto de "El oven Sigfrido (Der junte Siegfried)", luego convertido en Sigfrido, que terminó en 1851, año en que decidió que debía aún agregar dos óperas más y completar un ciclo destinado a ser representado en cuatro noches consecutivas: un prólogo (Vorabend) llamado "El oro del Rin" (Das Rheingold), La Valquiria (Die Walküre), el joven Sigfrido y la muerte de Sigfrido. Concluyó los textos de El oro del Rin y La Valquiria en 1852. Las obras fueron compuestas en el orden en el que se representan las óperas, lo que se erige la incorporación progresiva de los distintos motivos o leitmotiv a la obra.

El trabajo de composición fue continuado entre 1852 y 1857, pero una vez finalizado el segundo acto de Sigfrido, Wagner lo interrumpió durante unos doce años. Durante ese tiempo escribió Tristán e Isolda y los Maestros cantores; antes de relacionarse con Cósima estuvo sentimentalmente obsesionado con Mathilde Wesendonck, esposa del banquero Otto Wesendock y mecenas de Wagner, a la que dedicó el ciclo de canciones titulado Wesendock Lieder sobre poemas de la misma Mathilde. En 1869, Wagner volvió a la composición de Sigfrido, terminando el acto III en 1871. El ocaso de los dioses fue compuesta entre 1869 y 1874.

El ciclo completo se representó por primera vez hasta el verano de 1876, una vez terminada la construcción del Teatro promovido en Bayreuth por Wagner para la representación del Anillo, en las condiciones requeridas por el maestro. Con esta obra, Wagner ponía en práctica su concepto de "obra de arte total", en la que el drama, la música y las artes visuales se combinan armónicamente.

Después de años de esfuerzo y gracias a la ayuda de su benefactor Luis II, Wagner consigue inaugurar en 1876 su personalísimo Festival de Bayreuth. Para ello se construyó un teatro a medida, el Bayreuther Festspielhaus, en el que se siguen representando sus obras año con año, salvo en el transcurso de las dos guerras mundiales.

En 1877, Wagner inicia su última ópera, Parsifal. Tardó cuatro años en componerla, durante los cuales escribe también una serie de ensayos sobre la religión y el arte.

Parsifal se estrena en enero de 1882. En esta época Wagner está gravemente enfermo. La familia Wagner viaja a Venecia y allí lo sorprende la muerte el 13 de febrero de 1883, Wagner muere en los brazos de Cósima, a causa de una crisis cardiaca. Su cuerpo es repatriado e inhumado en el jardín de Wahnfied, su villa en Bayreuth.

Muchos autores se ha dejado seducir por la atractiva y deleitante idea de un nacionalismo alemán en Wagner, llevándolo a sus últimas consecuencias (vinculándolo al nacionalsocialismo de más de medio siglo después). Lo cierto es que Wagner renegó innumerables veces de lo "alemán", estando su pensamiento más dirigido hacia la idea de fraternidad y el socialismo que a cualquier forma de nacionalismo y (mucho menos de racismo). Fue en sus últimos años cuando se hizo presente en él un renovado cristianismo, mostrándose como un hombre a favor de la fraternidad de los pueblos.

Richard Wagner siempre defendió el concepto que se conoce como monarquía absolutista, aunque defendía el derecho a la libertad del pueblo. Es decir, que quería una aristocracia y un gobierno que tuviese la autoridad para hacer lo que considerase oportuno y al mismo tiempo el pueblo no estuviese tiranizado. El antisemitismo de Wagner se manifiesta en su ensayo "Das Judentum in der Musik" (El judaísmo en la música) publicado anónimamente en 1850 y más adelante bajo su nombre.

Sin embargo, algunos autores reclaman una contradicción de los argumentos sobre este tema ya que Richard Wagner demuestra a sus amigos y compañeros de trabajo judíos una gran confianza. Entre otros conocidos del autor destacan su ayudante Karl Tausig, Joseph Rubinstein, Angelo Neumann, y la famosa cantante Lili Lehmann. El estreno de su último trabajo, Parsifal, se lo confió al director de orquesta Hermann Levi en Bayreuth.


Luciano Pavarotti

El gran tenor italiano nació en Módena el 12 de octubre de 1935  y falleció en su ciudad natal el 6 de septiembre de 2007.

Fue un tenor que se preocupó entre otras cosas por acercar al público las delicias de la ópera.

Participó en varios conciertos de otros géneros musicales con sus amigos y formaron el famoso "Pavarotti and Friends" con el cual recorrieron varios países del mundo.

Sus roles preferidos fueron "Rodolfo" de La Bohemia de Giacomo Puccini, así como, el papel de Tonio en la ópera "La fille du Régiment" de Gaetano Donizetti en donde siempre interpretó bellamente la difícil aria de ¡Mes Amis! en la cual borda con su voz las nueve notas de Do de pecho.

Debutó el 29 de abril de 1961 en la ciudad italiana de Reggio Emilia con el papel que después le haría famoso: Rodolfo de La Bohemia. En 1963, en el Covent Garden de Londres, sustituyó a Giuseppe Di Stéfano, que le valió un amplio reconocimiento de la crítica y del público. Por cierto, contaba alguna vez Luciano Pavarotti que su tenor preferido había sido Giuseppe dI Stéfano. Ese mismo año interpretó el papel de Edgardo de Lucía Di Lammermoor de Gaetano Donizetti en el mismo teatro.

En 1965, tras haber conocido al director de orquesta Richard Bonynge, esposo de la excelente soprano Joan Sutherland, llevaron a cabo una gira por Australia (Tierra de Sutheland) donde interpretó el papel de Edgardo, así como, otros roles de las óperas de Donizetti y de Bellini.

En 1966 debutó en el Teatro alla Scala de Milán con un papel secundario, el de Teobaldo en I Capuleti ed I Montecchi de Vincenzo Bellini y regresaría después para cantar el rol del caballero Des Grieux de la ópera Manon de Jules Massenet y en 1967 interpretó el Requiem de Giuseppe Verdi con motivo del centenario del maestro Arturo Toscanini.

En el Metropolitan de Nueva York interpretó en 1968 su papel favorito: el de Rodolfo de La Bohemia y después de un tiempo representó otras óperas como, La Favorita de Gaetano Donizetti, I Puritani de Vincenzo Bellini y El Trovador de Giuseppe Verdi entre otras.

Contaba con una bella voz de excelentes agudos y elegante estilo. Fue el único tenor, junto a Nicolai Gedda, capaz de cantar el famoso Fa5 en falsete escrito en la parte final de la ópera I Puritani de Bellini.Otras de sus grandes interpretaciones fueron durante la grabación de la ópera Madama Butterfly de Giacomo Puccini (la que grabó con su gran amiga, la soprano Mirella Freni y con Herbert Von Karajan en la dirección orquestal); su interpretación del duque de Mantua en Rigoletto de Giuseppe Verdi y su rol de Nemorino en L'Elisir d'Amore de Gaetano Donizetti.

Participó en conciertos benéficos para contribuir a la reconstrucción de los teatros La Fenice (Venecia) y del Liceu (Barcelona).

En su vida personal estuvo casado en primera nupcias con Adua Verona, con quien procrearon tres hijas y después de treinta y cuatro años de matrimonio se separó de su mujer para casarse con Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él y quien fue su asistente por varios años y con ella tuvo dos hijos: Alice y Riccardo, aunque éste último falleció después de nacer.

En el verano del 2006, Pavarotti fue intervenido quirúrgicamente de un tumor maligno en el pancreas, que lo obligó a retirarse de la vida pública, cancelando todos sus compromisos adquiridos previamente. Nicoletta Mantovani, su segunda esposa y Alice su hija permanecieron junto a él en el hospital hasta que los médicos le permitieron salir a su villa para descansar.

El 5 de septiembre de 2007, el gobierno italiano le concedió a Pavarotti el Premio Excelencia en la Cultura de Italia. Al día siguiente fallecería en su casa.

La ceremonia fúnebre contó con la presencia del Primer Ministro de Italia, Romano Prodi. La misa de cuerpo presente, inició con el Ave Maria del Otello de Verdi cantada por la soprano Raina Kabaivanska. La comunión fue acompañada por la voz de Andrea Bocelli quien interpretó el Ave Verum Corpus de Mozart.

Fue dueño del segundo aplauso más prolongado en la historia cuando en 1968 cantó en el Palacio de la Opera de Berlín, la ópera L'Elisir d'Amore de Donizetti donde el público le brindó una ovación de 67 minutos.

Este aplauso sólo ha sido superado por Plácido Domingo en una de sus intervenciones en 1991.

En 1994 cantando Luciano Pavarotti en el Metropolitan de Nueva York, la ópera Tosca el público lo ovacionó de tal forma que el director le permitió hacer un bis del aria E Lucevan le Stelle.

 


Giacomo Puccini

Cerca de Lucca, junto a un bello portal del siglo XVI de una casa de Celle, municipio de Pescaglia, existe una placa que recuerda los orígenes de la familia Puccini. Antiguamente, Celle era un pueblo donde casi todo era viñedos. Atrás del pueblo, se encuentran los montes de mármol, los Apuane, los gigantes blancos.

La casa, transformada en museo, conserva objetos personales del Maestro y su familia. Entre otros objetos, hay un gramófono que fue un obsequio de su inventor, Thomas Alva Edison, que disfrutaba plenamente de la música pucciniana. La placa fue colocada en 1924, en presencia del Maestro, quién se encontraba deprimido por la enfermedad que lo llevaría a la muerte en poco tiempo.

Domenico Vicenzo Puccini, abuelo de Giacomo, nacido en 1771, músico de vocación, tomó lecciones de Paisiello en Nápoles. Autor fecundo, murió a los cuarenta y cuatro años, supuestamente envenenado. En 1813 (año en que nacieron Verdi y Wagner), nació el padre de Giacomo, Michele. En Nápoles estudió con Mercadante y Donizetti.

Michele desapareció prematuramente, en 1864, a los cincuenta y dos años cuando Giacomo, nacido el 22 de diciembre de 1858, tenía apenas cinco años.

Junto a Giacomo, quedaban huérfanas sus hermanas Tomaide (le decían Dide), Iginia, Ramelde, Odilia (Ottilia),

y Ninetti. La esposa Albina Magi, quedaba viuda a los treinta y cuatro años, y embarazada de un segundo varón, que nacería tres meses después, y a quien se le puso el nombre de Michele en memoria de su padre.

Giacomo inició sus estudios musicales bajo la tutela de Carlo Angeloni, alumno de Michele padre y maestro de Alfredo Catalani, otro compositor de ópera oriundo de Lucca, cuatro años mayor que Giacomo.

Parece ser que la decisión definitiva de dedicarse al melodrama tomo forma en Puccini en 1876, después de haber presenciado con enorme emoción, una función de Aida en la Ópera de Pisa.

Continuó sus estudios en Milán, con una beca de la reina Margherita, y el apoyo del tío Cerù, que le había escrito una buena crítica de su composición la Messa  di Gloria para cuatro voces y orquesta. Su primer maestro fue el famoso violinista Antonio Bazzini y más tarde de Amilcare Ponchielli quien ya era famoso por haber compuesto su ópera “La Gioconda” sobre un libreto de Arrigo Boito. Terminó sus estudios en 1883, y se diplomó con un ensayo para orquesta, el “Capriccio sinfónico”, interpretado por un grupo de alumnos dirigidos por Franco Faccio, director titular de la Scala.

El compositor que contaba con veinticinco años participó en el primer concurso de óperas en un acto convocado por el editor Edoardo Sonzogno, quien además, era el propietario del periódico Il secolo y del Teatro Lírico.

La ocasión parecía envidiable; pero la partitura de Puccini, Le Ville, no fue ni siquiera leída por el jurado (argumentaron) debido a la incomprensible  escritura del autor. Le Villi fue puesta en escena en el Teatro Dal Verme de Milán en mayo de 1884, con gran éxito.

Puccini dedicó la partitura a Arrigo Boito, quien le había apoyado. Boito, compositor, libretista y amigo del Maestro Verdi, estaban preparando la ópera Otello.

Giulio Ricordi compró los derechos de la ópera y exhortó a Puccini a subdividir en dos partes el largo y único acto.

El editor encargó a Puccini un melodrama de más amplias proporciones, Edgar, con libreto de Ferdinando Fontana.

Al poco tiempo del estreno de su obra, Le Villi, moría de cáncer su madre, Albina, el 17 de julio de 1884, a los cincuenta y cuatro años .

La pérdida de la madre no fue el único problema que afrontó Giacomo. En diciembre de 1886, fue padre de un niño, Antonio. Siendo la madre Elvira Bonturi, la esposa de un conocido comerciante de Lucca, Narciso Gemignani, con quien ya tenía dos hijos, Fosca y Renato, el escándalo en la provincia toscana fue total.

Edgar, representada en una ocasión en La Scala en abril de 1889, no gustó. La crítica resaltó las dotes del músico, pero no supo disimular su desilusión respecto a las esperanzas creadas por Le Villi. Se señaló que el libreto era muy malo, por lo que Puccini se avocó a preparar varias modificaciones que contaron con la aceptación del público y de la crítica. En 1905, dio a conocer su versión definitiva de su obra Edgar.

Motivado por su situación precaria, terminó de componer su ópera Manon Lescaut en octubre de 1892.

Se representó en Turín el 1º de febrero de 1893. Obtuvo un amplio reconocimiento por los múltiples elogios  vertidos y en su viaje al año siguiente al Covent Garden, el gran literato George Bernard Shaw saludaba en Puccini al “más probable heredero de Verdi”.

Giacomo Puccini inició la composición de su cuarta ópera a la que llamó “La Bohemia” con la selección de sus libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa en los que apreciaba su calidad y su reconocimiento como literatos capaces de elaborar libretos óptimos y que de todos los libretistas que intervinieron en Manon Lescaut resultaron los más decisivos.

Tres años después de Manon Lescaut y de nuevo en Turín, tuvo lugar el estreno de la ópera dirigida por Arturo Toscanini, el 1º de febrero de 1896. Se elogió la interpretación y la dirección de Toscanini y entre los intérpretes vocales se decidió por Cesira Ferrani, primera Mimì, la misma que fue la primera Manon. La ópera con buenos presagios es hoy en día, una de las obras más representadas en todo el mundo. Además actuaron Evan Gorga (Rodolfo) y Michele Wigley (Marcello).

Esta ópera se la dedicó al marqués  Carlo Ginori Lisci, propietario del lago donde restauró el edificio de la villa actual, derribando la torre que constituía parte de la vivienda anterior, y amplio el jardín.

Los mismos libretistas de La Bohème proporcionaron a Puccini el libreto de Tosca, tomado del dramaturgo Victorien Sardou que quiso pasarse de listo, al pretender figurar entre los autores del libreto italiano, y solicitar el quince por ciento de los derechos. En enero de 1898, fueron los acuerdos en París, entre Sardou y Puccini, para la cesión de los derechos.

El 14 de enero de 1900 se llevo a cabo el estreno de Tosca en el Teatro Costanzi de Roma. Resultó un éxito rotundo en donde el Maestro dio una nueva prueba de eficiencia ampliamente admirada. Haricléa Darclée fue la primera Tosca en la fecha de su estreno. Eugenio Giraldoni fue el primer intérprete de Scarpia y el papel de Mario Cavaradossi le correspondió a Emilio de Marchi.

La ópera Madama Butterfly fue terminada y la versión de dos actos se representó el 14 de febrero de 1904 en el Teatro alla Scala de Milán bajo la direcciónnde Cleofonte Campanini. Resultó un fracaso. Se eliminaron varios detalles sobre todo del primer acto, y con la división de los dos actos en tres partes, triunfó en el Teatro Grande de Brescia unos tres meses posteriores.

En diciembre de 1908 fue invitado a la presentación de Madama Butterfly en Alejandría, Egipto. Al volver, regresó a las fantasías del peligroso Oeste con base en un libreto de Carlo Zangarini y el novelista Güelfo Civinini.

El 23 de enero de 1909, en Torre del Lago se asomó la tragedia; Doria Manfredi, una criada de casa Puccini de veintiún años, se suicidó de un modo atroz, implorando que no le hiciesen daño alguno al Maestro, y señalando en cambio a Elvira que le producía vejaciones intolerables. La señora la acusaba abiertamente de ser la amante de Giacomo: a pesar de que la despidió, continuó vejándola por la calle con amenazas y profiriendo un lenguaje vulgar e hiriente. La muerte de Doria implicó que Elvira tuviera que ir a los juzgados para responder por los cargos de difamación. Puccini pagó una importante suma a la familia Manfredi para que retirasen la demanda.

La Fanciulla del West se estrenó en el Metropolitan de Nueva York el 10 de diciembre de 1910 contando con la brillante dirección de Arturo Toscanini. El elenco estuvo compuesto por: Emmy Destinn (Minnie), propietaria del bar “La Polka”; Enrico Caruso en el rol del bandido (Dick Johnson), y Pasquale Amato en el papel del sheriff Jack Rance.

La Rondine se estrenó en Montecarlo el 27 de marzo de 1917, con Tito Schipa y Gilda Dalla Rizza como protagonistas.

Su siguiente ópera fue Gianni Schicchi, en un acto y a la cual se le añadieron otros dos títulos, Il Tabarro y Suor Angelica.

A pesar de que habitualmente se representan las tres óperas separadas, Puccini las prefería juntas: por orden, Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi. De esta forma lograron un éxito en su estreno en el Metropolitan de Nueva York el catorce de diciembre de 1918, con especial predilección por Gianni Schcchi. En resumen Il Trittico logró concentrar en un solo acto todo el drama, sin quitarle la sensación de duración de una ópera normal.

En agosto de 1922 hizo un viaje por Europa Central, pero tuvo un accidente que según un médico de Pisa pudo haber tenido consecuencias más graves para Puccini, que ya sufría de diabetes: durante su estancia en Baviera, comió un hueso de pato, y para extraérselo de la garganta fue necesario una pequeña pero dolorosa intervención. Con el tiempo se concluyó que esa fue la causa, junto con el tabaco, del letal papiloma bajo la epiglotis que padecería.

Trabajaba lentamente con su siguiente ópera, Turandot cuyo argumento fue escrito por Carlo Gozzi. Al llegar al dúo final varió el ritmo, y la Parca le detuvo la mano. La ópera quedo inconclusa.

Puccini partió a Bruselas, donde falleció el 29 de noviembre de 1924 en una clínica especializada en tumores.

Arturo Toscanini dirigió la orquesta que el tres de diciembre durante las exequias en el Duomo tocaron la marcha fúnebre de Edgar.

Turandot fue terminada por Franco Alfano quien añadió un poco de música para completar una historia de amor.

El estreno fue en la Scala el veinticinco de abril de 1926, con Rosa Raisa y Miguel Fleta como protagonistas y desde luego con la batuta estuvo Toscanini.

Tras la muerte de Liù, Toscanini interrumpió la función y dijo: Aquí finaliza la ópera, dejada incompleta por la muerte del maestro, con voz entrecortada por la emoción.


María Callas en el XL Aniversario de su Muerte

Cuyo nombre completo era Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoúlos, nació en Nueva York, el 2 de diciembre de 1923 y murió en París, el 16 de septiembre de 1977, fue una soprano estadounidense de origen griego, considerada la cantante de ópera más destacada del siglo XX. 

Fue llamada (como antes la célebre Claudia Muzio) "La Divina". 

Debutó en Verona en agosto de 1947 cantando La Gioconda de Ponchielli. Para los años siguientes interpretó diversos papeles con mucho éxito, de hecho hay una grabación personificando el papel de Abigaille de Nabucco, luciendo una gala de sobreagudos al lado de Gino Bechi.

Sus papeles grandes serían Norma y Violeta de La Traviata. Interpretó 37 roles y la Gilda de Rigoletto y Lady Macbeth sólo las cantó una temporada. En 1965 cantó su última ópera completa, "Tosca" de Puccini en Londres. Tiene grabaciones que nunca interpretó en un escenario como: Manon Lescaut, La Bohème, Pagliacci, Carmen y Cavalleria rusticana.

Era hija de Evangelia Dimitriades y George Kalogeropoúlos, una pareja de inmigrantes griegos que llegarona Estados Unidos en agosto de 1923, a la ciudad de Nueva York. En 1929, George Kalogeropoúlos, farmaceútico de profesión, por la complejidad del apellido, lo cambió por Callas.

Tras el divorcio de sus padres, ella emigró junto con su madre y su hermana a Grecia en 1937. Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Atenas con la soprano María Trivella, y después bel canto con Elvira de Hidalgo. En 1938 hace su debut como soprano en Atenas cantando el papel de Santuzza en Cavalleria rusticana.

Su primer gran éxito lo obtuvo en 1942, cantando el papel de Floria Tosca en la ópera Tosca de Giacomo Puccini. Cantó la ópera Turandot en Chicago, en enero de 1947 con un buen reparto de cantantes europeos.

María conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, que además era el director de la Arena de Verona, quien la contrató para cantar La Gioconda de Ponchielli y allí conoció a su primer esposo; un rico hombre de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini (Verona 1896- Desenzano del Garda 1981), 30 años mayor que ella e influyente en la administración de su carrera.

Su debut italiano en verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Luego de una audición con Serafin en el papel de protagonista de Tristán e Isolda de Wagner, que se iba a presentar en el Teatro de La Fenice al siguiente año, logró el rol, obteniendo un éxito sin precedentes, que le permitió cantar Turandot de Puccini y Brünnhilde en Las Valkirias en las temporadas 1948 y 1949.

En 1949, contrae nupcias con el ingeniero Meneghini por lo que María adopta el apellido y cambia su nombre a María Meneghini Callas.

El 20 de mayo de 1949 debuta en el Teatro Colón de Buenos Aires como Turandot,  bajo la batuta de Tullio Serafin y acompañada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni. Se presentó la oportunidad de cantar en el Teatro alla Scala y debutó en ese lugar cantando la ópera Aída de Giuseppe Verdi.

El 23 de mayo de 1950 debuta en el Palacio de Bellas Artes (Ciudad de México), cantando Norma de Bellini y es en éste escenario donde intercala un célebre Mi bemol al final del segundo acto de Aída conocido como "el agudo de México y en donde cantaría las únicas dos funciones de Rigoletto de Verdi que cantaría  a lo largo de su vida.con EMI. Poco días después Walter Legge, productor musical de EMI y su esposa, la famosa soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf, fueron a verla en La traviata en la Arena de Verona. Tras la representación, la Schwarzkopf ofreció uno de los tributos más conmovedores: viéndose superada por María, no cantaría nunca más La traviata. Cuando se le pidió una explicación, la Schwarzkopf, respondió: <<¿Cuál sería el sentido de hacerlo si otra artista lo puede hacer perfecto?>>

Entre 1953 - 1954 bajó más de 36 kilos (Cuando reapareció como la tísica Violeta en la puesta en escena de Luchino Viconti de La traviata, en un primer momento ni el director orquestal Carlo María Giulini la reconoció. 

En 1954 hace su debut en Estados Unidos, en el Lyric Opera of Chicago, como Lucia di Lammermoor.

En 1955, probablemente su mejor año, canta una Norma que adquirirá estatus legendario junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco, dirigida por Antonino Votto, y en Berlín junto a Herbert von Karajan canta una Lucía di Lammermoor histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlín. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto (Chi mi frena in tal momento...).

Finalmente María hizo su debut en el Metropolitan Opera House el 28 de octubre de 1956, como Norma, de Vincenzo Bellini.

En 1957 tienen lugar la histórica exhumación de Anna Bolena, de Donizetti en La Scala, dirigida por Luchino Visconti, junto a Giulietta Simionato, y las igualmente históricas de La Sonnambula, de Bellini, que el realizador trata como un cuento pastoral donde María equipara física y vocalmente a la soprano del siglo XIX Fanny Persiani.

En Venecia asiste a una fiesta de su amiga Elsa Maxwell donde la columnista le presentó al magnate griego Aristóteles Onasis. Se sucede otro escándalo y la entonces desconocida Renata Scotto de 23 años, en dos días aprende la parte para consagrarse internacionalmente.

La siguiente vez que María provocó titulares por un escándalo fue por una representación de Norma en la Opera de Roma, el 2 de enero de 1958, en honor del presidente de Italia, Giovanni Gronchi y su esposa.

Desgraciadamente, María contrajó un resfriado y se informó al teatro que se le debía sustituir, pero La Scala se negaba a ello. María, contra las órdenes de los médicos, salió a escena pero denotó que su voz estaba en pésimas condiciones. María huyó por una puerta trasera y anunció que lo había hecho porque no estaba a la altura del pueblo milanés. El teatro había respondido <<Nessuno può sostituire la Callas>> (Nadie puede sustituir a la Callas), lo que enfureció al público milanés. María fue excusada cuando recibió la llamada de la señora Gronchi, quien le aseguró que ni ella ni su marido se habían ofendido.

Tres meses después, María cantaría junto al joven tenor canario Alfredo Kraus en Lisboa una de las representaciones más aclamadas de La traviata de Verdi. Esta función dirigida por Franco Ghione el 27 de marzo de 1958 es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de esta ópera.

Hacia fines de 1958 Rudolf Bing, director del Metropolitan Opera, quiere contratarla para La traviata y Macbeth, dos óperas muy diferentes para las cuales no llegaron a un acuerdo. La noche del debut de Callas en Medea, en Dallas, le envió un telegrama terminando su contrato. Callas, enfurecida, convoca a la prensa y canta una legendaria Medea junto a Jon Vickers y la joven Teresa Berganza. Posteriormente Bing dirá que Callas fue la artista más difícil de tratar, que era tan inteligente que siempre ganaba. Pese a todo, Bing y Callas se reconciliaron en la década de 1960 y Callas retornó al Met en 1965 por dos funciones de Tosca, funciones que junto a las del Covent Garden serían sus últimas en un escenario de ópera.

Por aquel tiempo (1961) María representaba Medea en Epidauro y en La Scala. No tenía buena voz y el 11 de septiembre, durante el primer acto en el dueto con Jasón (personaje interpretado por Jon Vickers), la audiencia comenzó a pitar. María ignoró el alboroto hasta que llegó la escena donde ella denuncia a Jasón con la palabra <<Crudel!>> (¡Cruel!). Después del primer ¡Crudel! paró de cantar, miró al público y le dirigió su segundo ¡Crudel!; hizo una pausa y comenzó otra vez con las palabras: <<Ho dato tutte a te>> (Te lo he dado todo) haciendo un gesto como si amenazara con el puño a la galería; la audiencia paró de silbar, y María recibió una ovación clamorosa al final.

En mayo de 1965, estaba representando Norma en la Opéra de París con Fiorenza Cossotto como Adalgisa. La noche de su ùltima representación de Norma, el 29 de mayo, María estaba más débil y Cossotto se ensañó con ella e hizo del gran dueto un duelo entre ambas. Al final, cuando el telón cayó, María se hundió y fue llevada inconsciente a su camerino.

En 1965 la Callas realizó su última representación de ópera con Tosca en el Covent Garden junto a su compañero de escena clásico el barítono Tito Gobbi. Tenía 41 años.

El 16 de septiembre de 1977, María tuvo un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Reclamaron la presencia del médico, que salió inmediatamente a casa de María,  quien murió antes de que llegara. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. No se descarta la posibilidad de un suicidio, ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes. Su urna fue robada y encontrada días más tarde. Tras su recuperación se dispersaron sus cenizas en el Mar Egeo.

La legendaria María Callas, la más famosa de todas las sopranos, la amante frustrada del millonario Aristóteles Onassis y la musa inspiradora, no falleció el 16 de septiembre de 1977 a los 53 años por una dosis excesiva de antidepresivos en su residencia de París, como se creyó por muchos años. 

Según Franco Fussi y Nico Paolillo, dos médicos italianos especialistas en fonatría, la rama de la medicina que estudia las enfermedades de los órganos de la fonación, Callas murió de una crisis cardiaca como afirma su certificado de defunción, pero a causa de los corticoides e inmunosupresores que la cantante ingería para curarse de una mortífera enfermedad muscular.

En concreto, se trataría de dermatomiositis, una rara afección que desgasta lentamente a los músculos del cuerpo, incluidos los de la garganta y que Callas empezó a padecer desde finales de los años 50, como dan constancia las grabaciones y vídeos de la cantante analizados por los expertos italianos. 

Fue el análisis espectográfico de ese material que puso en evidencia la debilidad de los músculos vocales de la cantante en los últimos años de su vida, respecto a su etapa dorada en los 40 y principios de los 50, cuando la cantante alcanzó la fama mundial gracias a su actuación en obras como La traviata, Turandot y Lucia di Lammermoor.

Es evidente, se lee en el estudio publicado en el diario italiano La Stampa, que en los años 60, respecto a los 50, Callas tiene de vez en vez más dificultades al cantar y al alcanzar los tonos más agudos a raíz de que su caja torácica no se abre al máximo durante la respiración a la vez que la posición de su espalda y de sus hombros es incorrecta.

En cambio, la ruptura de la relación con el millonario griego Onassis, que la abandonó para luego casarse con Jackie Kennedy en 1968, no habría influido en la pérdida de la voz y posterior muerte de Callas, como se especuló en los últimos treinta años.

Y esto porque, de acuerdo con las pruebas científicas que aportan Fussi y Paolillo, queda probado que Callas no se suicidó, como afirmaron entonces.

De acuerdo con los expertos, es posible que la relación con Onassis, el único verdadero amor de Callas según sus biógrafos, le causara la súbita pérdida de peso que le afectó en 1954 cuando llegó a adelgazar 30 kilos, aunque tampoco hay pruebas certeras y de valor científico de ello.

Así lo dijo:

"El declive del icono del bel canto no se debió a los esfuerzos vocales o a causas externas, tensiones emotivas o mundanas. Estaba enferma, tenía traqueitis, los músculos estaban cediendo".

Franco Fussi y Nico Paolillo

Médicos italianos

 



Ángela Peralta, el Ruiseñor Mexicano

Ángela Peralta Cestera (Nació en la Ciudad de México el 6 de julio de 1845 y murió en Mazatlán, Sinaloa el 30 de agosto de 1883) fue una cantante Soprano mexicana del siglo XIX de fama mundial, conocida como "El Ruiseñor Mexicano" y llamada en Italia "Angelica di Voce e di Nome". Antes de los veinte años conquistó los principales escenarios europeos.

Provenía de una familia humilde y recibió una buena educación, mostrando un especial talento para el canto desde su infancia. 

Fue alumna de Agustín Balderas quien fuera miembro del jurado del concurso para musicalizar el Himno Nacional.

 

A los ocho años fue muy aclamada cuando cantó la cavatina Belisario de Gaetano Donizetti. Sus estudios los llevo a cabo en el Conservatorio Nacional de Música de México; a los quince años personificó a Leonora de Il Trovatore de Giuseppe Verdi debutando así, en el Teatro Nacional.

El 13 de mayo de 1862, debutó en La Scala de Milán con Lucía Di Lammermoor de Gaetano Donizetti con gran éxito. Cantó La Sonnambula de Vincenzo Bellini ante el rey Victor Manuel II y su esposa saliendo en treinta y dos ocasiones al procenio para agradecer las ovaciones. Comenzó una gira por diferentes ciudades europeas logrando cosechar muchos éxitos.

El emperador Maximiliano de México le pidió regresar a México para cantar en el Teatro Imperial Mexicano y en octubre de 1865 aceptó la invitación.

Entre su repertorio favorito cantó dos obras de Bellini, La Sonnambula y Los Puritanos, Martha de Von Flotow, el Barbero de Sevilla de Gioachino Rossini, de Donizetti Lucía Di Lammermoor, el Elixir d'amore y de Giuseppe Verdi representó Il Trovatore y La Traviata. Durante el mes de febrero de 1866 estrenó la ópera Ildegonda del compositor mexicano Melesio Morales.

En 1867 viajó de nuevo a Europa y se presentó en Italia y España. En Madrid contrajo matrimonio con su primo hermano y literato Eugenio Cestera lo cual significó su declive dedicándose a componer pequeñas piezas.

Regresó a la Ciudad de México en 1871 donde aprovechó para estrenar la ópera Guatemotzin de Aniceto Ortega el 13 de septiembre. Para ese entonces el Teatro Nacional había recuperado su nombre. Justo Sierra, impresionado por su voz le dedicó un poema.

Realizó una tercera gira por Europa con presentaciones en Italia prolongando su estancia por más de tres años. En 1877 se volvió a prentar en el Teatro Nacional para cantar Aída de Verdi y Gino Corsini de Melesio Morales.

Se enamoró de su representante Julián Montiel y Duarte, y fundó su propia compañía operística. Cuando el público se enteró de su amorío dejó de apoyarla. Por la enfermedad de su marido estuvo impedida de seguir realizando giras en 1876 internándolo en un hospital psiquiátrico en París donde falleció en el mes de marzo.

En 1883 llegó a Mazatlán donde la gente la recibió con entusiasmo. La compañía se preparaba en los ensayos para recuperar la gloria de viejos tiempos cuando al mismo momento arribó al puerto, un barco con un cadáver de un americano víctima  de la fiebre amarilla y la enfermedad se propagó por la ciudad. El 23 de agosto presentaron Il Trovatore de Verdi y la gente asistió escasamente por el temor de contraer la enfermedad; la compañía fue afectada por la epidemia y sólo seis de ellos sobrevivieron, entre los cuales estaba el violinista Juventino Rosas. Contrajo nupcias in articulo mortis con Julián Montiel y Duarte, falleció el 30 de agosto de 1883 a la edad de 38 años. Sus restos mortales descansan en la Rotonda de las Personas Ilústres desde abril de 1937.